Je sais ce qu'est une mauvaise photo, alors pourquoi est-ce que je continue à la prendre?

9 photos sur 10 que je prends sont ennuyeuses, et cela apparaît immédiatement lorsque je regarde un nouveau lot sur mon écran d'ordinateur. Étant donné que je suis parfaitement capable d'identifier une mauvaise photo, pourquoi ne puis-je pas m'empêcher d'appuyer sur le déclencheur lorsque je le vois dans le viseur?

C'est un voeu pieux, non? Ne pas voir la forêt pour les arbres? Est-ce parce que, inconsciemment, je poursuis ce sentiment que je ressens lors des rares occasions où je n'étais pas sûr d'une composition et que tout se passait bien?

Avoir un concept d'avance en tête donne généralement de bien meilleures images, mais lorsque je sors avec mon appareil photo et que quelque chose d'intéressant se dégage, je ne peux m'empêcher de penser que cela en vaudra la peine. C'est d'autant plus grave lorsque je prends la photo d'un ami - ce qui semble être une superbe photo du moment se révèle généralement fade avec la personne dans une pose inconfortable.

Quelqu'un a-t-il réussi à surmonter ce biais d'optimisme et / ou cette vision tunnel? Que faites-vous pour que vous puissiez penser de manière critique et voir la scène dans son ensemble de manière objective avant de gaspiller un film ou des mégaoctets?

Addendum: Je suis étudiant en doctorat et étudie les neurosciences cognitives de la vision et, étant donné la façon dont le cerveau construit le monde en utilisant les facultés limitées de l’œil (par exemple, seule une petite fraction du champ visuel est résolue avec une acuité élevée), L'incapacité à évaluer rapidement une scène de manière objective n'est pas une surprise. Les moments que j'essaie de capturer sont souvent fugaces, et mon œil résout probablement ce qui nous intéresse, et le reste du monde est empli de la construction de la réalité par le cerveau, qui semble être soit une mauvaise représentation de ce que la lumière est en train de se faire, ou tout simplement un mépris bienheureux pour toutes les ordures ennuyeuses qui remplissent le reste de la scène ... Est-ce que les grands comme W. Eugene Smith a en quelque sorte appris à voir rapidement chaque partie d'une scène et a été en mesure de décider si c'était un bon coup ou non avant que le moment ne passe? Est-ce une capacité naturellement présente chez certaines personnes ou bien la plupart des photographes doivent-ils suivre un entraînement visuel rigoureux pour y parvenir? Comment êtes-vous arrivé là?

Le pire des scénarios: j'ai passé 10 minutes à préparer cette exposition longue et j'ai pensé que ce serait vraiment cool. Cependant, le résultat est clairement ennuyeux, même s'il y a quelques éléments intéressants

Pratique, pratique, pratique. C’est quelque chose que je me suis fixé et je progresse bien que pas aussi facilement que prévu.

Comme vous, j'ai décidé de ne pas prendre les mauvaises photos après avoir développé un œil sur ce qui est une bonne photo dans ma vision. J'ai commencé avec un rapport d'environ 100: 1 avant de savoir ce qu'est une bonne photo! Avec une meilleure idée de l'exposition et de la composition, il n'a pas fallu longtemps pour arriver à 10: 1, mais à partir de là, cela a été très difficile: il a fallu des années pour arriver à 8: 1 et maintenant autour de 6: 1. Notez qu'il s'agit d'un rapport moyen et que certaines situations sont simplement plus difficiles. Plus il y a de mouvement dans la scène, plus le taux d'échec est élevé.

Les choses qui ont fait la plus grande différence:

1. Pré-visualisation. En regardant les éléments autour de vous et en décidant s'il y en a assez pour faire une scène.
2. Inspection de l'ensemble du cadre. La plupart des gens tirent quand ils voient quelque chose qu'ils aiment dans le cadre. Il est préférable de tirer lorsque vous ne voyez que quelque chose que vous aimez dans le cadre.
3. Bords vérifiés. L'utilisation d'un appareil photo avec un viseur à couverture totale soulage grandement. Je m'assure que rien ni personne ne traverse le bord de mes cadres, à moins de prendre des motifs d'objets ou de foules.
4. Appuyez lentement sur le déclencheur. Lorsque vous relâchez le déclencheur, veillez à ce que rien ne vienne près du bord de votre cadre et si votre appareil photo est de niveau, et assurez-vous qu’il en reste ainsi.
5. Apprenez à voir la lumière dans une scène. Particulièrement contrasté, car les caméras ont une plage dynamique limitée. Vous aurez une meilleure idée du moment où un tir ne peut pas être exposé correctement. Maintenant, je porte généralement une attention particulière au moment de la journée et à la façon dont un sujet fait face pour deviner quand la lumière le frappera mieux car celle-ci change au cours de la journée.
6. Passez en revue vos pousses dès que possible. Apprenez d'eux et répétez. Ceci est essentiel lorsque vous passez le niveau 10: 1. À ce moment-là, de nombreux plans semblaient pensés, mais lorsque je les ai vus dans leur contexte, j'ai commencé à comprendre pourquoi certains étaient meilleurs.

Totalement pas un expert en photographie, mais je voudrais toujours offrir mes 2 ¢. L'erreur que je fais souvent est d'inclure trop de la partie de l'image qui n'est pas pertinente pour la scène, simplement parce qu'il y a quelques détails intéressants. Généralement, cela signifie généralement "trop ​​de terres, pas assez de ciel" ou "je dois regarder 'en l'air pour voir l'horizon". Dans votre cas, je pense que vous vous concentrez trop sur les algues sur le trottoir (ce qui, j'en conviens, est joli en tant qu'élément, mais pas nécessairement la seule caractéristique intéressante de votre photo). Le problème, c’est que la personne assise au bord de la route vous manque totalement. Et si vous incluez un tout petit peu d’algues, mais en proportion avec le reste des éléments de l’image, c’est toujours agréable.

Considérons plutôt la culture suivante

Les photographes professionnels peuvent ne pas être d'accord, mais pour moi, c'est un sujet plus intéressant.

Tout d'abord, il simule ce que vous voudriez réellementvoir comme un humain. Le foyer est le gamin. Tout ce qui l'entoure, dans la vision de la vie réelle, passe en résolution complètement basse; vous devriez vous concentrer sur la scène pour voir d'autres détails. De plus, nous avons tendance à percevoir les choses plus le long d'un axe horizontal que d'un axe vertical. C'est pourquoi les photos grand format fonctionnent mieux (à mon avis). Ils se sentent plus «naturels». C'est aussi pourquoi les humains en général ont tendance à ne pas se rendre compte de ce qui se passe au-dessus d'eux ou au-dessous de leur champ visuel (à moins qu'ils ne soient vraiment timides). En fait, c’est l’autre chose d’inclure trop de «détails du fond»: l’observateur a ce sentiment inconfortable qu’il se tassait la tête avec timidité. En vous concentrant sur le niveau de l'horizon, vous soulevez littéralement le regard du spectateur, ainsi que son moral. Toi' Sur les lieux, ce n’est pas simplement quelque chose qui se passe à l’arrière-plan lorsque vous regardez timidement le sol.

Deuxièmement, il y a soudainement beaucoup d'éléments intéressants qui sont isolés lorsque vous souhaitez les rechercher. Les algues, les arbustes, la lumière, les bâtiments et la ligne d'horizon, etc. Il y a aussi de jolies symétries de lignes en jeu (règle des tiers en termes de mer / bâtiments / ciel, ainsi que les lignes de «point de fuite» causées par le bord de mer , balustrades et cimes des arbres). En outre, l'enfant est le "centre", mais pas le "centre mort", ce qui équivaudrait à une balle tirée par une équipe de football.

Enfin, comme quelqu'un l'a fait remarquer, il y a beaucoup de post-traitements intéressants qui apporteront des éléments (j'ai fait quelques post-traitements très basiques ici dans GIMP à titre d'exemple): contraste / luminosité, pour faire ressortir plus de détails dans feuillage sinon foncé; balance des blancs / stretch hsv pour se débarrasser de cette texture bruyante et terne; Jouez avec la balance des couleurs pour faire ressortir ce joli rose dans le ciel, et le contraste avec les buissons verts et le trottoir bleuâtre. Enfin, vous pouvez simuler la profondeur de champ en rendant les bords de l’image flous. Cela simule toute la "basse résolution à mesure que vous vous détachez" qui semble naturelle à la vision humaine, et aide également le spectateur à sentir mentalement que le garçon est bien le centre de l'image, plutôt que d'être une grande collection de choses se produisant. également pondéré.

EDIT: montrant deux autres interprétations / approches possibles de la photo, selon les commentaires ci-dessous:

Gauche : focus sur la texture (intention du papier peint). Droite : angle de caméra inférieur simulé

Votre photo ressemble beaucoup à mon "souhait je ferais mieux" photos ainsi. La première chose qui me vient à l’esprit, c’est que vous essayez d’équilibrer quelques idées / règles et que vous vous retrouviez avec une apparence fade. Comme la personne qui a un pied sur le bateau et un pied sur le quai: si vous ne vous engagez pas pour l’un ou l’autre, vous tombez à l’eau.

Dans ce cas, si vous vouliez vraiment vous concentrer sur l’eau, je me serais mis aux genoux et aux coudes pour me rapprocher de l’eau et de cette mousse. Peut-être un peu zoomer pour agrandir les bâtiments.

Ou maintenez la caméra au-dessus de l'eau, mais pointez-la plus à droite. Découpez entièrement le paysage urbain et concentrez-vous sur l'eau et le contraste avec le chemin / les lumières / le béton.

Vous avez votre ligne fuyant / convergente au bord de l’eau, l’eau exposée au temps, le paysage urbain, le graffiti / béton, le chemin et les lumières,… et tout se fond dans le milieu de la… ragoût de route. J'ai souvent fait ça avec des vidéos où, par exemple, j'essayais d'interviewer quelqu'un et d'équilibrer l'arrière-plan, etc., etc., et de me convaincre en quelque sorte qu'un mur blanc derrière eux fonctionne.

La première chose à laquelle je pensais, c’est que nous demandons un peu de post-traitement.

Vous gaspillez complètement les points forts de cette image qui cache un ciel fabuleux. Il existe de nombreuses façons d’extraire ces rehauts sans perdre les demi-teintes et les ombres.

L'image que vous avez publiée est correcte, mais vous ne l'avez pas encore exploitée à fond. Le post-traitement offre d’énormes possibilités d’obtenir le plein impact de ce que vous photographiez (y compris de superbes options de noir et blanc pour toutes les prises de vue en couleur).

Voici ce que certains travaux dans GIMP (à partir de votre base JPEG chargée) produisent et gardez à l’esprit que ce n’est pas la meilleure qualité de fichier pour commencer à travailler.

En général, vous devrez peut-être penser que le tournage ne constitue qu'une partie de la production d'un coup. Ensuite, vous travaillez dessus pour extraire ce que vous voulez / ressentez lorsque vous tirez.

Il n'est pas toujours possible d'obtenir ce que vous voulez. Certains clichés semblent être de meilleures idées lorsque vous tirez que plus tard. Mais je pense que vous négligez peut-être beaucoup de potentiel en ne suivant pas certains traitements de base.

Je vais aussi ajouter 2 ¢, même si cela répète probablement ce que d'autres ont dit.

POST-TRAITEMENT FTW !!!

Vous ne devriez pas avoir honte / peur du post-traitement. Même avant que les photographes professionnels numériques post-traitent leurs images. Ils prennent également des centaines d’images et n’en sélectionnent que quelques-unes, alors sachez qu’ils éliminent 99 images sur 100 (j’ai composé ce nombre mais je suis sûr que ce n’est pas trop éloigné).

J'ai d'abord remarqué cela quand j'ai eu mon premier reflex numérique. Toutes les photos sont sorties fades par rapport à mon haut de gamme le point et tirer. J'ai finalement réalisé que mon objectif était probablement de faire davantage de post-traitement dans l'appareil photo lui-même pour rendre mes photos plus éclatantes . Bien sûr, juste des images plus contrastées ne signifie pas que ma composition était bonne, mais c'était un signal que le post-traitement est important.

J'avais l'habitude de post-traiter parfois dans Photoshop, mais je recommande vivement Adobe Lightroom, car il est conçu pour vous permettre de post-traiter rapidement de nombreuses images. Je peux visionner des images et les retoucher au moins 30 fois plus vite dans Lightroom que Photoshop et il a été fait au moins pour essayer des choses si simples. Je peux sortir, prendre 30 à 100 images, revenir et les avoir toutes examinées, avoir essayé différentes choses sur beaucoup d’entre elles et en avoir choisi quelques-unes en moins de 30 minutes.

Je ne suis en aucun cas un pro, mais voici ma tentative de post-traitement de votre photo dans Lightroom. Je ne prétends pas que c'est bon, mais j'expliquerai pourquoi / comment je suis arrivé à ceci, car peut-être que la liste de mes étapes sera utile.

J'ai d'abord essayé de régler l'exposition, le contraste, la clarté et les paramètres associés. Peut-être parce que je ne suis pas un pro, mais rien de ce que j'ai fait n'a fonctionné pour moi. Je suppose que personnellement, je voulais que ce soit plus contrasté mais je n’ai pas aimé où cela se passait. Je ne suis pas sûr qu'il s'agisse d'un goût ou de mon manque de compétences Lightroom ou du contraste peu élevé de l'image.

J'ai essayé divers préréglages et noir et blanc mais je n'étais pas tout à fait sûr, cela ne fonctionnait pas pour moi.

J'ai ensuite essayé de rogner le côté gauche de l'image. Pour moi, les grands immeubles sur la gauche étaient une distraction. J'ai vu de nombreux conseils selon lesquels souvent, moins une photo est occupée, mieux c'est. Malheureusement, lorsque j'ai fait cela, la photo ne semblait pas fonctionner sans plus d'eau devant le rivage.

Alors, j'ai remarqué la personne dans l'image, est-ce le sujet? La plupart du temps, lorsqu'il y a une personne dans une image, elle devient le sujet même si je ne le souhaite pas. Étant si petit, il était difficile de voir la personne cependant.

J'ai recadré plus large que cela au début. Encore une fois j'ai remarqué des choses qui m'ont distrait. Les bâtiments étaient toujours sur la gauche alors je les ai découpés. Puis j'ai remarqué les graffitis sur le béton. C'était grand et contrasté et ressemblait à une autre distraction, alors je l'ai découpé. J'ai ensuite ajusté les couleurs à nouveau et opté pour un contraste plus élevé en noir et blanc, un peu plus de clarté et un peu de vignettage pour que la mise au point soit bien visible. Au point que la lampe sous les arbres semblait aussi être une distraction. Décomposer cela, j'en étais personnellement heureux. J'aurais peut-être préféré que la personne soit plus décentrée, plus d'eau devant, mais cela aurait remis les bâtiments en scène. Soit ça ou j'aurais pu recadrer plus à droite mais je me sentais déjà tellement recadré que je ne pourrais probablement pas y aller.

Que vous aimiez ou non le résultat, ce que je voulais dire, c’est votre post-traitement et le recadrage.

Votre question et explication implique pourquoi . Je ne peux pas commencer à répondre à une telle question ici. Personne ne peut. Cela pourrait même être hors sujet; mais, c'est l'une des questions les plus intrigantes.

Chaque photo répond à son propre "pourquoi"; Cependant, je propose une situation qui pourrait mieux vous permettre de décider vous-même:

La prochaine fois que vous irez capturer votre miracle, limitez-vous à un seul coup .

Mon raisonnement basé sur l'expérience : Pendant des années, j'ai eu un support de film et une caméra de vision 8 "x10". J'ai découvert que mon choix du moment où prendre ma photo était devenu différent de celui où j'avais la capacité de prendre plusieurs photos. L’effort (utilisation d’une caméra de vision) sur le terrain a changé la façon dont j’ai configuré, ciblé, mis au point et exposé mon seul coup. Le coût élevé du film et le temps nécessaire au traitement manuel de mon film ont modifié la valeur du plan. Je devais planifier qui, quoi, où, quand et comment avant même de lever mes sacs de matériel.

Cet exercice (sans blague) m'a permis d'examiner de manière réfléchie ma réponse à la raison pour laquelle j'étais sur le point d'appuyer sur le déclencheur.

L'essayer C'est ma suggestion pour savoir comment répondre à votre question de savoir pourquoi .

C'est la même image recadrée pour suivre la règle des tiers. Vous pouvez garder à l’esprit la règle des tiers lors de votre première prise.

Dans la photo d'origine, la moitié gauche correspond à l'eau et la moitié droite, la terre, ce qui ressemble à une fracture géante au milieu. Le spectateur doit donc choisir entre gauche et droite. C'est comme si l'artiste présentait un choix au spectateur: à gauche ou à droite. Il pourrait y avoir un temps pour cela (je crois que le mot est "juxtaposition"), si vous voulez délibérément comparer deux choses. Mais ces deux choses ne cherchent pas à être contrastées ou comparées, donc le spectateur est tout simplement confus.

Et verticalement, je pense que les bâtiments sont trop loin, presque comme une réflexion après coup, ce qui laisse le bas à gauche très vide. Donc verticalement, c'est déséquilibré. Et horizontalement c'était trop centré. 3rd donne un bon équilibre entre "trop ​​loin" et "trop ​​centré".

Choses à considérer:

• Maîtriser la technique est primordiale. Oubliez "l'art". Relisez le manuel de votre appareil photo.

• Avez-vous calibré votre appareil photo? Avez-vous mesuré les niveaux de lumière dans la scène? Avez-vous obtenu le spectre de la lumière ambiante et aérienne pour votre scène?

• La scène est sursaturée en bleu à cause de la lumière du soir. Vous auriez dû utiliser un filtre pour bloquer cette lumière. L'oeil humain fait cela naturellement. Si vous voulez qu'une photo soit belle, vous devez faire ce que l'œil fait: bloquez les sursaturations et équilibrez les couleurs. Cela peut être fait avec précision avec des filtres techniques et un spectromètre, ou vous pouvez vous en servir avec l'expérience.

• L'image est floue (sauf le premier plan). Certaines personnes pensent que les images floues sont cool. J'essaie de faire ce que l'œil fait: garder tout au centre. Difficile d'obtenir plus basique que cela. Concentrer.

• L'exposition est pauvre. Les arbres sont noircis et l'eau est éblouissante. En savoir plus sur le bracketing sur l'exposition et la composition d'images multiples avec différentes expositions. Mieux encore, apprenez à utiliser vos objectifs et vos appareils photo pour obtenir la meilleure exposition possible pour chaque image. Le HDR n’est pas magique, si vous introduisez de mauvaises images, vous obtiendrez de mauvais composites.

• Vous abattez sur les lieux. La plupart des choses ont l'air de merde quand on les méprise. Essayez de lever les yeux à la place. Quand je prends des photos de personnes, je m'agenouille.

Fermez un œil avant de prendre la photo. Certaines images peuvent sembler spectaculaires dans le glorieux 3-D que vous donnent vos yeux, mais sont un peu plus ternes ou plus ennuyeuses dans le 2-D aplati qui apparaît sur une photo.

Fermer un œil vous montre à quoi ça ressemble en 2D et donne donc une meilleure représentation de la photo.

En bref, la photographie est différente de la vision humaine. Le cerveau effectue beaucoup de pré-traitements, de post-traitements, de comblement des espaces vides, etc. Il produit une image "idéalisée" dans l'esprit. La caméra est fondamentalement un oeil. Vous ne pourrez pas capturer "ce que vous voyez" avec une caméra. Alors, faites ce que le cerveau fait - prenez beaucoup d'images, ignorez le plus, et manipulez le bon côté de ceux qui sont bons.

Je suis un photographe de rue et mon ratio de "bons" clichés est trivial (peut-être 1: 100). Ma définition d’une bonne photo n’est pas simplement une photo nette ou correctement composée, mais bien plus que le contenu. Ces types de prises de vues dépendent de la personnalisation du téléspectateur qui donne un sens significatif - intellectuel, psychologique ou émotionnel.

Mes "mauvais" clichés sont ceux qui n'ont pas ce petit plus, les "bons" clichés sont ceux qui résonnent non seulement avec moi mais, j'espère, dans l'esprit d'une bonne partie des téléspectateurs. Le bon coup frappe des points universels.

La réponse à cette question tient au fait que comprendre une bonne photo et en prendre une sont des compétences différentes. Pensez-y de cette façon: pouvez-vous savoir si quelqu'un joue mal d'un instrument de musique? Probablement. Pouvez-vous jouer du même instrument mieux? À moins que vous n'ayez suivi une formation sur cet instrument particulier, probablement pas. Avez-vous déjà pensé qu'un long métrage était mauvais? J'ai! Pourrais-je écrire, diriger ou bien jouer dans un long métrage? Non.

Les compétences impliquées critiquing une photo doivent faire avec la reconnaissance des choses comme la composition, l' éclairage, mise au point, etc. Les compétences nécessaires à la prise d' une photo ont à voir avec la capture d' une bonne composition avec un bon éclairage et une bonne mise au point.

Le meilleur moyen d’améliorer la plupart des choses est de pratiquer délibérément . Choisissez un morceau du puzzle qui vous pose problème et prenez un tas de photos où vous essayez d'améliorer cet aspect. Je l'ai fait avec concentration, par exemple. J'avais beaucoup de difficulté à faire la mise au point dans mes images, alors j'ai découvert différentes techniques pour améliorer la mise au point. Ensuite, je suis sorti et j'ai pris un tas de photos où j'ai essayé d'améliorer la mise au point sur le cliché en utilisant ces techniques. Finalement, j'ai atteint un point où j'étais heureux avec ce que je capturais et il était temps d'améliorer la prochaine chose sur ma liste.

Il y a environ 15 ans, j'ai suivi un cours de photographie. Nous utilisions encore des films, car les appareils reflex numériques étaient beaucoup trop chers. Un de nos professeurs nous a dit de ne pas attendre plus d'un bon coup par rouleau de film (sur 36 coups). Cela signifiait que charger un rouleau sur l’appareil photo, prendre des photos et développer le film produiraient au plus un plan utilisable.

Je crois que la même règle s'applique encore aujourd'hui. Vous devez prendre beaucoup de photos pour n'en obtenir que quelques bonnes. Après des années de pratique, ce rapport augmentera légèrement, mais attendez-vous à prendre beaucoup de mauvaises images et seulement quelques bonnes.

On dirait beaucoup que vous êtes un photographe de type paysage / rue / architecture. Quelques réflexions pour cette discipline.

Lorsque vous trouvez une scène qui vous intéresse, essayez de prendre quelques perspectives totalement différentes plutôt que celle qui semble gagnante . Souvent, la meilleure image consiste davantage à capturer une qualité ineffable de la scène qu’à être techniquement intéressante .

Un autre excellent exercice consiste à photographier avec une seule distance focale pendant un certain temps. Avec de la pratique, vous pourrez éventuellement anticiper les images avant de soulever l'appareil photo.

Cela nécessite toujours de la pratique, pour tout le monde, même les maîtres.

Personne ne prend des images parfaites à 100%.

Considérant la photo dans la question. Les longues expositions nocturnes ont tendance à avoir une lumière incolore et très plate, même si elles ont l’air fabuleusement coloré aux yeux du photographe. Vous avez probablement déjà vu des couleurs incroyables se refléter dans l’eau et dans le ciel qui ont donné sens à cette composition.

Je pense que "mauvaises" photos sont nécessaires pour la comparaison. Sans essais et erreurs, on ne pourrait pas définir ce qui est bon ou mauvais.

A mon avis, il faut combiner les avancées des deux: l'impulsivité et une photographie plus réfléchie. Il est donc fortement recommandé d’emporter avec vous un appareil photo de poche (ou un appareil photo de bonne qualité). Continuez à prendre des instantanés impulsifs de tout ce qui vous intéresse, puis, si vous en avez le temps, vérifiez les résultats sur-le-champ et voyez si vous pouvez faire mieux. Il n'est pas nécessaire de sauvegarder toutes les photos prises.

De plus, consommez des images! J'ai personnellement appris le plus à propos de la photographie lorsque j'ai participé au défi de l'image 365 sur les médias sociaux, au cours duquel un groupe de personnes tente de prendre une photo par jour de l'année, de les poster à un groupe et d'en discuter. Voir des photos prises par d'autres personnes et obtenir des commentaires est le processus le plus enrichissant et instructif.

L'art est quelque chose que vous pouvez constamment apprendre et améliorer. Ce n'est pas que vous n'arrêtez pas de prendre de mauvaises photos (bien que oui, des erreurs occasionnelles se produiront quand même), mais que votre opinion de "bon" et de "mauvais" change radicalement à mesure que vos compétences augmentent.

Je fais de la photo professionnellement en tant que travail secondaire et j'ai des photos que je rejette comme "mauvaises" que d'autres pensent être de superbes photos. De même, si je revisite de vieilles photos, je me demande comment j'ai pu penser que bon nombre de mes premières photos étaient bonnes.

D'après mon expérience, le taux de réussite s'est amélioré quelque peu, mais vous ne vous débarrassez jamais des "mauvaises" photos, car une partie du processus d'apprentissage consiste à capturer des images et à voir ensuite ce qui a fonctionné et ce qui n'a pas fonctionné. Au fur et à mesure que vous en apprendrez davantage sur ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, vous évitez les choses que vous savez ne fonctionnent pas et la qualité s’améliore, mais aussi vos compétences, de sorte que vous commencez à chercher de nouvelles choses qui disqualifient votre travail en tant que "mauvais". ".

Le taux de réussite est plus marqué lorsque vous photographiez des personnes, en particulier plus tard dans le développement de vos compétences, car les gens ont beaucoup plus de moments fugaces où de superbes photos peuvent être prises, mais le principe s'applique toujours aux paysages. Personnellement, à ce stade, je parviens généralement à un ratio de 1: 5 pour les natures mortes et de 1: 5 à 1:10 pour les événements. (Je ne suis en aucun cas un professionnel haut de gamme, mais je me classerais au milieu du peloton dans l'arène professionnelle.) Ce que je veux dire, c'est que même lorsque vous devenez vraiment bon en artisanat, vous avez encore beaucoup de ratés. parce que vous élevez constamment la barre pour faire mieux. (Cela dépend aussi de ce que vous considérez comme un succès. Pour moi, tout ce que je qualifierais de 5 étoiles compte comme un succès, mais il y a toujours une grande variété dans cette gamme.)

Un taux de réussite de 1:10 pour les natures mortes est tout à fait respectable. Cela signifie simplement que vous apprenez encore à un rythme rapide. C’est une bonne chose que vous appreniez toujours à vous améliorer plutôt qu’une mauvaise chose: vous «prenez toujours de mauvaises photos». Ce n'est vraiment qu'une mauvaise chose si vous pouvez regarder en arrière vos photos d'il y a 5 à 10 ans et ne pas voir à quel point vous êtes arrivé à cette époque.

Voici mes pensées décousues:

Je pense que l'idée d'une "bonne" ou d'une "mauvaise" image est contextuelle: si vous aviez l'intention d'exposer la photo ci-dessus, alors oui, c'est mauvais. Si vous preniez simplement une photo de la région avec une caméra et que vous n'allez pas la traiter vous-même par la suite, tout ira bien. Mais si, comme moi, lorsque vous prenez des photos numériques, vous constatez que les 6 à 8 premières images sont des images "d'échauffement", c'est un bon début. À partir de là, je descendais et mettais quelque chose au premier plan pour aider à attirer l’œil du spectateur dans la scène (rochers, plus de mousse, un bateau). J'ai constaté que lorsque je prends des photos de film, je veux simplement que la scène soit nette et non sombre, mais lorsque je prends des photos numériques, je veux que l'ensemble de la scène soit nette, les hautes lumières soient rétablies, les ombres visibles, etc.

Quand je prends une photo, je me dis toujours "est-ce que j'aime absolument cette composition / lumière / contraste / peu importe"? Sinon, ou je dois y réfléchir, alors je ne prends pas la photo, mais j'essaie de trouver la raison pour laquelle je mets la caméra en premier lieu dans le cadre et me concentre sur cela. Je photographie des paysages, donc c'est plus facile que la photographie de personnes, d'animaux domestiques ou de sports. J'essaie également de conserver cette mentalité avec la photographie numérique, je prendrai souvent une photo au format numérique et accepterai simplement que la lumière soit correcte, etc., souvent je ne verrai pas l'image avant d'être de retour sur PC.

Souvent, j'essaie de "voir" la scène en premier, je ne parle pas seulement de technique, mais je vois et ressens réellement la scène - y a-t-il une brise déplaçant les arbres, est-ce que je veux la capturer? Y a-t-il des nuées d'oiseaux autour, d'où provient la lumière, à quoi ressemblent les nuages? Si ce sera une longue exposition (comme la vôtre), que feront les nuages: quelle direction vont-ils? etc. C'est un processus méditatif; J'essaie de capturer l'essence d'une scène. Trop souvent, il est plus facile de cliquer sur le bouton et de dépendre de photoshop / lightroom par la suite. Personnellement, utiliser l'appareil photo est la dernière chose que je fasse lorsque je prends une photo sur le terrain.

Je n'ai jamais effacé une image. Je trouve que les "ordures" sont celles dont vous apprenez le plus. Et souvent, regarder des images que je pensais être nulles il y a 5 ans avec de nouveaux yeux vous permet de les apprécier davantage.

Comme vous, je souffre également d'une incapacité frustrante de produire de "bonnes" photos. Vous avez admis être un "étudiant au doctorat en neurosciences cognitives de la vision". Je peux peut-être vous aider à apprécier votre situation du point de vue "scientifique":

Lorsque vous décidez de prendre une photo, vous faites directement l'expérience de tout l'environnement d'une scène. Vos yeux et votre cerveau font un travail fantastique pour résoudre ce qui vous intéresse le plus, mais d'autres parties de votre cerveau / corps apportent également une contribution énorme et méconnue.

Vous sentez l'air, la température, pénétrez toute la scène en tournant la tête. votre humeur du moment et les personnes présentes ou non influencent également vos sentiments du moment.

Lorsque vous rentrez chez vous, toutes vos données "supplémentaires" sont manquantes dans votre photo. Même s'il peut s'agir d'une mesure extrêmement précise des photons présents sur la scène, votre photo est là, morte, comme la photo de vacances d'un inconnu.

La caméra a aplati la gamme de couleurs et la plage d'exposition. Il n'a pas la capacité de mettre en évidence et d'améliorer ces petites parties de la scène que votre œil / cerveau ont fait instantanément et instinctivement. La caméra a totalement ignoré l'odeur de l'air et le toucher de la brise sur vos joues. Avec vos spectateurs, il ne vous reste plus qu’une vue à travers un simple tube en carton.

Jusqu'à ce que nous développions un dispositif qui capture toute cette information supplémentaire, nous devons nous appuyer sur Art pour nous aider à recréer cette ambiance. Les techniques artistiques tirées de milliers d'années d'expérience humaine peuvent aider à impliquer ou à inculquer des sentiments inconnus de la caméra. La composition, l’amélioration de la couleur, la mise au point, l’éclairage et bien d’autres encore peuvent aider à compenser les pertes, mais leur utilisation requiert des compétences.

Avec le désir, la patience et le temps, vous pouvez apprendre à utiliser les techniques artistiques qui peuvent vous aider à compenser ce qui a été filtré de votre expérience.

Souhaitez-nous bonne chance à tous les deux.

Je pense que vous avez raison de dire que vous ne pouvez pas "voir la forêt pour les arbres", également appelée "vision tunnel" ou, en combat, en particulier l'aviation de combat, "fixation de cible".

Je rencontre le même problème dans un autre domaine, la conception logicielle et matérielle, ce qui me pousse à me concentrer sur des composants souvent triviaux et aboutit à une conception trop complexe et fragile ... que je lève ensuite le feu et recommence avec quelque chose de mieux intégré et plus simple.

Moi aussi, à l’origine, je me suis lancé dans les sciences cognitives, mais les ordinateurs ont beaucoup mieux payé que dans les années 80, mais je garde toujours ma place. Personne n’a fait plus de recherches sur la perception et la prise de décision que les militaires; j’ai donc vérifié auprès de sources militaires mon design lier.

Les militaires entraînent les pilotes à rompre la fixation de la cible en se forçant à détourner le regard de la cible, souvent par l'épaule, puis à nouveau. Ceci est effectué en permanence, la tête du pilote n’est jamais immobile. Ce pourrait être l'origine réelle du terme "goulot en caoutchouc"

Une méthode secondaire consiste à regarder légèrement ensuite en arrière, mais en se fixant sur une partie différente de la cible, par exemple la pointe de l'aile gauche.

Les deux méthodes semblent fonctionner en forçant une réévaluation de la cible dans son ensemble. La première méthode semble amener le cerveau à voir la cible comme quelque chose de nouveau. Cela favorise également la prise de conscience de la cible dans l'ensemble du contexte de l'espace de combat, permettant ainsi au pilote de mieux décider si la cible est réellement la priorité. La deuxième méthode va plutôt dans l'autre sens, déclenchant une réévaluation de bas en haut, qui relie des parties plus petites au plus grand tout et à l'espace de combat en général.

Dans le cas de la photographie, on se détournerait de l’image ciblée affichée dans l’appareil photo et / ou concentrerait délibérément son attention sur des sous-zones aléatoires de la zone ciblée. Regarder ailleurs et là-bas déclencherait la réévaluation et vous aiderait à évaluer la force avec laquelle le ... nomme "espace esthétique" ... influence votre perception de la qualité de la zone photographiée. Se concentrer sur des sous-zones aléatoires pourrait déclencher une meilleure prise de conscience de la composition interne, créée par les divers éléments de la photo agrandie.

Mais juste une supposition. Aucune recherche à ma connaissance à ce sujet, mais j'ai eu du succès avec elle.

Qu'est-ce que tu voudrais montrer? Le mouvement de l'eau, le coucher du soleil, la nature / les arbres, les lignes, les couleurs, etc.

Quelle position ou quel angle améliorerait le tir? Par exemple, votre appareil photo est légèrement orienté vers le bas, ce qui empêche les poteaux de clôture de se redresser. Si l'accent était peut-être mis sur les lignes, alors peut-être que celles-ci fonctionneraient mieux, plus agréables à l'œil.

Trépied, ne vous précipitez pas, prenez plus d'une photo. Lorsque vous regardez dans le viseur / l’écran LCD, visualisez l’image finale.

Un dicton:

La personne prend la superbe photo, photoshop peut la rendre géniale.

Si la photo n'est pas nette, si la composition est mauvaise, etc., Photoshop ne peut vous aider.

Jouer: La photographie est amusante, certains d'entre nous sont payés pour le faire, c'est toujours amusant. Quelques astuces:

Utilisez un zoom avant sur l’écran lcd pour obtenir une image très nette pour les gros plans comme votre post, réduisez ainsi l’ouverture. f22 etc. essayez des photos de différentes hauteurs, depuis le sol / la taille / la tête, etc. essayez de prendre des photos en maintenant l'appareil photo parfaitement à niveau, voyez le résultat si vous n'avez pas de trépied, reposez les bras sur un objet, appuyez-vous contre quelque chose. enfin: apprenez tout ce que vous pouvez sur votre appareil photo et jouez / jouez / jouez

Que faites-vous pour que vous puissiez penser de manière critique et voir la scène dans son ensemble de manière objective avant de gaspiller un film ou des mégaoctets?

Je confirme la présence de blocs de construction de base tels que la qualité de la lumière, un sujet que je peux isoler et hiérarchiser visuellement , la fenêtre temporelle idéale, et le dernier mais non le moindre, est-il même intéressant.

Étant donné que je suis parfaitement capable d'identifier une mauvaise photo, pourquoi ne puis-je pas m'empêcher d'appuyer sur le déclencheur lorsque je le vois dans le viseur?

Par tous les moyens, appuyez dessus. Ensuite, cherchez quelque chose de mieux. Vous pouvez abandonner votre sujet / approche d'origine.

Se pourrait-il que des grands comme W. Eugene Smith aient appris à voir rapidement chaque partie d’une scène et soient en mesure de décider s’il s’agissait ou non d’un bon coup avant le moment opportun? Est-ce une capacité naturellement présente chez certaines personnes ou bien la plupart des photographes doivent-ils suivre un entraînement visuel rigoureux pour y parvenir?

Vous n'êtes pas obligé d'être un grand. Je fais cela, mais une grande partie de la réflexion est vraiment prévoyante et anticipée. Léger, vous pouvez évaluer à tout moment. Allez vers ou restez dans la bonne lumière. Gérez votre distance de travail en fonction de la distance focale choisie et du sujet que vous prévoyez. Lorsque je quitte la maison avec un appareil photo, je règle l'ISO en fonction des conditions d'éclairage prévues et peut-être aussi de l'exposition. Ce que je sais, je vais y aller et me préparer, afin d’avoir le moins possible de penser aux imprévus.

Vous parlez de portrait. Bête différente avec ses propres règles, mais vraiment les mêmes blocs de construction.

Pour moi, c’est faire confiance à mon goût, aimer ce que j’aime, et l’élever quand je le trouve. D'autres passions comme la science fiction contribuent. Certainement d'autres photographes ("Que ferait Doug Menuez?").

Regardez aussi ceci .

Depuis votre spécialisation dans les neurosciences cognitives de la vision, vous savez déjà tout sur la composition, les principes de la gestalt et les nombreuses autres théories sur la façon dont le cerveau joue avec notre vision et sur ce qui lui plaît.

Pourquoi vous prenez des photos alors que vous savez que la photo sera une perte, je ne peux que deviner que cela est dû au support que vous photographiez, le numérique. Si vous êtes déjà compétent dans le domaine technique de la prise de vue, vous vous dépêchez, car le coût d'opportunité de ces prises de vue est proche de zéro.

Si vous souhaitez apprendre à tirer plus efficacement, vous pouvez essayer de passer au film pendant un moment. Là, vous n’avez que 36 coups par rouleau et cela coûte de l’argent et du temps pour développer et agrandir une copie. Vous pouvez également utiliser des caméras grand format (seulement deux prises de vue par châssis et chaque châssis prend beaucoup de place et un peu de poids), ce qui indique généralement que vos sujets seront essentiellement immobiles (portraits, paysages et architecture). , pour ne pas dire que vous ne pouvez pas photographier un sujet en mouvement, il suffit d’un peu de temps pour configurer l’appareil photo.

N'oubliez pas que les maîtres qui ont de la chance ont réussi environ 3 choix d'un rouleau de film. Mais eux et leurs éditeurs étaient probablement beaucoup plus stricts que ce que nous avons aujourd'hui.

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