Existe-t-il des guides écrits ou des règles de base pour régler la saturation des couleurs, la clarté, la vibrance, etc. en post-traitement (ou en général)?

Ce n'est pas une autre question "comment obtenir une image qui ressemble à tel ou tel lien inséré ici dans LR". Il y a une saturation (sans jeu de mots) de ces questions ici. Intéressant, mais pas assez général.

Ce que je demande vraiment , c'est comment les gens prennent-ils des décisions post-processus pour faire des choses comme améliorer les tons chair, ou même améliorer la couleur et l'éclairage d'une image?

Je l'aile généralement, je touche les leviers dans Lightroom (généralement l'exposition et le contraste et la balance des blancs, et parfois la saturation) jusqu'à ce que les choses semblent correctes. Personnellement, je vise le réalisme, pas quelque chose de vicieusement post-traité (ça me rend paresseux quand je tire autrement). De plus, je prends des photos RAW pour que le «style d'image» sur l'appareil photo ne s'applique pas.

Mais cela ne semble pas aussi cohérent; en revanche (également sans jeu de mots), si vous regardez les règles de base pour cadrer les photos, les techniques d'éclairage et bien d'autres choses, vous pouvez trouver ces guides partout, et en particulier sur StackExchange. Vous pouvez obtenir une cohérence plus rapidement lorsque vous apprenez ces choses. Mais la technique post-process me semble plus aléatoire.

Très intéressé à entendre ce que les pros pensent / font ici. Cela ne peut pas être totalement subjectif et un art noir (laissez-moi ajuster cela et voir ce qui se passe) ... ou est-ce ...?

La plupart des décisions sont d'ordre artistique et dépendent de votre style et de votre vision personnels et, dans une certaine mesure, du genre de photographie, qu'il s'agisse de paysages ou de portraits, commerciaux ou non commerciaux.

Avant de commencer, vous devez avoir une idée de ce à quoi vous voulez que votre image ressemble. Clé haute ou clé basse? Sharp et contrasté, ou léger et éthéré? Chaque image est différente, donc aucune règle définie ne s'applique à chaque image. Mais je vais essayer de donner quelques directives générales.

En utilisant Lightroom ou Camera Raw, je travaille à travers les curseurs de haut en bas.

Balance des blancs

Je dirais que dans la plupart des cas, c'est une décision artistique. Oui, vous pouvez utiliser l'outil compte-gouttes de balance des blancs pour estimer la balance des blancs "correcte", mais cela aspire souvent la chaleur d'une belle image. J'utilise souvent l'outil de balance des blancs pour vérifier comment cela affecte l'image et pour rester honnête afin de ne pas exagérer le réchauffement, mais pour la plupart j'augmente la chaleur jusqu'à ce que j'aie exagéré, puis je le recule bit.

Contraste

Je ne touche jamais le contraste dans la phase de conversion brute. J'utilise Photoshop et préfère appliquer des calques de réglage des courbes que je peux masquer / brosser si nécessaire. Si je devais traiter uniquement via Lightroom, je sauterais probablement le curseur Contraste et y reviendrais après avoir effectué les autres ajustements liés à l'exposition.

Exposition, reflets, ombres, noirs, blancs

Pour la plupart des images, je veux une gamme complète de tons du noir au blanc. C'est-à-dire que pour la plupart des images, je veux que l'histogramme s'étende de gauche à droite. En supposant que j'essaye de réaliser une telle image, ma pensée serait quelque chose comme ceci:

L'exposition globale est-elle à peu près correcte?

Si l'image est trop sombre, j'augmenterai l'exposition. Trop léger, le réduira. Évidemment, pas pour obtenir un bel histogramme, mais une belle image. Une image en relief peut être bien à droite par exemple. J'essaie de fixer l'exposition à huis clos, mais il y a des moments où vous ne pouvez pas, ou que vous exposez intentionnellement à droite . De plus, si quelque chose est coupé à chaque extrémité, je peux ajuster l'exposition globale. Habituellement, je n'ai pas besoin de toucher le curseur Exposition.

Ensuite, comment sont les points finaux de mon histogramme?

Si des noirs ou des blancs sont toujours coupés après avoir ajusté l'exposition, ou plus généralement s'ils ne s'étendent pas aux bords de l'histogramme (ce qui signifie que je n'ai pas de noirs ou blancs purs), alors j'utiliserai les curseurs Noirs / Blancs pour étendre l'histogramme jusqu'à ce que j'ai la gamme tonale complète. Évidemment, c'est un peu une décision artistique, mais pour les images où vous voulez une gamme tonale complète, c'est à mon avis la meilleure façon d'y parvenir.

À quoi ressemblent les hautes lumières et les ombres?

J'utilise avec parcimonie les curseurs Highlights et Shadows pour affiner les zones claires et sombres. Ce n'est pas du tout nécessaire sur la plupart des images. J'augmenterais le curseur Ombres par exemple sur une image rétro-éclairée pour éclaircir le sujet, et je pourrais diminuer le curseur hautes lumières si j'avais une grande étendue de nuages ​​blancs et que je voulais faire ressortir un peu le contraste.

Clarté

Une clarté croissante peut donner l'impression d'un meilleur contraste et de meilleurs détails. Réduire la clarté peut donner un joli look de rêve, à l'eau ou aux nuages ​​en particulier. Je pense que c'est un choix purement et artistique. Je ne fais généralement pas d'ajustements de clarté dans le convertisseur RAW, et je laisse cela plus tard, dans Photoshop, où je peux utiliser la netteté, les ajustements de courbes locales ou des filtres d'effets comme Topaz Detail / Adjust pour obtenir des effets similaires localement.

Saturation / Vibrance

J'utilise rarement la saturation ou la vibrance dans Camera Raw. Si la couleur d'une image semble plate, je peux augmenter la vibrance, mais généralement je le ferai pour des zones sélectives ou pour des couleurs sélectives, plus tard dans Photoshop. Un autre choix artistique - faites ce qui vous semble bien. Veillez simplement à ne couper aucune chaîne. Vibrance est un choix un peu plus sûr .

Non, il n'y a vraiment pas de telles règles. C'est là qu'intervient l'œil pour ces choses, soit par une capacité naturelle, soit par la pratique (ou les deux). C'est subjectif , mais pas arbitraire , et c'est de l' art mais pas un art noir .

Finalement, vous développerez un style personnel pour ce qui vous convient. De nombreux photographes développent un look personnel très distinctif. Vous parlez de «pros», et cela vaut la peine de réfléchir une seconde, car là, c'est le goût de vos clients qui est le plus important. Si vous photographiez des portraits de petites villes, un look simple avec un peu de "pop" supplémentaire est probablement l'endroit où vous voulez aller. Il y a quelques années, mes grands-parents se sont fait prendre en photo, et bien que le photographe ait insisté sur le fait que le regard flou était un choix artistique, mes grands-parents étaient bouleversés - ce n'était pas du tout à leur goût. Mais si vous êtes photographe de mariage, un look "rêveur" ne vous fera probablement pas de mal. Ou, si vous visez plutôt des ventes "d'art" sur le marché de masse, à en juger par ce que j'ai vu dans une galerie à Vegas, vous voudrez probablement augmenter la saturation jusqu'à ce que vos yeux saignent et ton-map jusqu'à ce que les halos étranglent toute la scène. Si vous recherchez une représentation dans une galerie, cela vous aidera à connaître les tendances actuelles des beaux-arts (même si, espérons-le, votre propre travail repousse cette enveloppe). Mais si vous optez pour un art plus durable, ou travaillez pour votre propre satisfaction personnelle, vous devrez être votre propre public.

Je pense que les "règles" sont courantes pour la composition car l'appareil photo ne peut pas le faire automatiquement pour vous. L'appareil photo peut équilibrer l'exposition de manière acceptable, mais il ne peut pas choisir où centrer votre sujet . Ces règles de composition sont généralement douteuses , mais elles fournissent un cadre de base et des points de départ confortables lorsque vous ne savez pas par vous-même ce que vous voulez.

Si vous ne savez pas quel look vous recherchez dans le style visuel , vous pouvez simplement choisir un préréglage, soit des "styles d'image" dans votre appareil photo, soit des paramètres préemballés dans votre convertisseur RAW. Dans les premiers jours de la photographie argentique en noir et blanc, ce n'était pas le cas, et vous pouvez trouver beaucoup de sagesse recueillie (et, comme toujours, des affirmations prescriptives plus douteuses) de cette époque. Au fur et à mesure que le film couleur moins flexible a été utilisé, cette approche a pris une grave blessure et, bien que le numérique rétablisse la flexibilité, il apporte également des "looks" prédéfinis faciles à emballer, il est donc peu probable que le patient se rétablisse complètement.

Cela dit, je peux penser à une ligne directrice tout en travaillant vers ce style: tout avec modération. Cela s'exprime souvent par quelque chose comme: Après avoir obtenu un effet spécial que vous aimez, ramenez-le à la moitié de cette force et continuez avec ça. Mais, comme ces règles de composition, c'est une ligne conservatrice, et le conservateur est rarement une valeur célèbre dans l'art. Donc, vous pourriez essayer le contraire: soyez audacieux . Bien sûr, dans quelques années, vous pourrez regarder votre travail avec embarras, mais au moins vous ne serez pas accusé d'être timide.

Cela aide à être délibéré. Ici, la flexibilité infinie est votre ennemie. Il vous permet de faire tout ce que vous voulez, ce qui peut rendre difficile l'installation dans votre propre rythme personnel. Alors, voici une approche à essayer ... Déposez l'appareil photo numérique et ramassez un vieux corps de film. Pentax K1000, Nikon F, peut-être un télémètre Canonet. Procurez-vous plusieurs rouleaux de Kodak Portra 400, Fujicolor 160NS et Ilford Delta 1600. Ou, au moins, posez le convertisseur RAW et choisissez quelques-uns de ces styles d'image - beaucoup de R&D y sont consacrés, donc ils sont en fait assez bons . Si votre appareil photo vous permet (espérons-le) de les modifier selon vos préférences personnelles (augmentez le contraste, par exemple), mais une fois que vous avez effectué quelques ajustements, laissez-le de cette façon pendant un certain temps. Vous voudrez peut-être même retirer les, euh, "filtres d'art", si votre appareil photo le fait. Effectivement,les règles de base que vous recherchez, faites par programmation.

Passer une semaine à photographier intentionnellement avec la règle des tiers ne fera pas automatiquement de vous un meilleur photographe, mais c'est toujours un bon exercice, car si vous faites cela et examinez attentivement les résultats (évaluer non seulement l'application de la règle mais l'effet global) ), vous saurez mieux ce que vous voulez faire et pourquoi . De même, filmez quelques rouleaux de films de différents types ou choisissez un ensemble de préréglages et respectez-le pendant un certain temps. (Si cela est trop douloureux, vous pouvez toujours opter pour RAW + JPEG, donc vous avez un "out" si vous obtenez une photo unique qui n'aurait vraiment pas vraiment dû appliquer ce plâtre vert.) Avoir fait cet exercice, vous ne voudrez probablement pas continuer à travailler de cette façon pour toujours, mais je pense que cela vous aidera à comprendre comment vous faites vous voulez que vos images ressemblent.

Ce qui importe plus que la façon dont vous notez les couleurs, c'est que la gradation des couleurs est cohérente au sein d'une série. En règle générale, vous voudrez vous assurer qu'une série de photos s'écoule bien, bien qu'il puisse y avoir des moments où vous souhaitez qu'elles soient également très différentes.

Comme d'autres l'ont mentionné, il n'y a ici aucune règle autre que l'esthétique générale. Soit vous en avez l'œil, soit vous n'en avez pas. Utilisez votre sens artistique et votre couleur en conséquence. Si vous essayez de développer vos compétences, passez du temps à regarder les œuvres que vous aimez et à voir comment elles sont équilibrées, puis essayez de les reproduire.

Après un certain temps, vous aurez un œil pour identifier quelles parties d'une image sont hors de contrôle d'où vous le souhaitez et cela devient une simple question d'ajustement comme bon vous semble pour obtenir le look souhaité.

N'ayez pas peur de suivre votre propre chemin. La façon dont les gens évaluent les couleurs est probablement plus révélatrice de l'identité du photographe que de tout autre aspect de la photographie. Les gens développent définitivement un look qu'ils aiment et s'ils sont bons dans l'étalonnage des couleurs, beaucoup de leurs photos auront un aspect général similaire. Il doit varier un peu d'un plan à l'autre car les sujets diffèrent et donc l'esthétique peut nécessiter de légères différences de style, mais il y a généralement des choses qui le rendent reconnaissable.

Personnellement, j'ai tendance à trop légèrement contraster, à la recherche d'un point noir riche, d'ombres détaillées mais raisonnablement fortes, de reflets juste avant le pic et d'une image globalement bien saturée (mais pas trop saturée) et fortement colorée. Parfois, je vais ajouter un petit détail aux faits saillants exagérés, mais j'essaie généralement de l'éviter pour la plupart.

Certaines personnes préfèrent plus sombre, certaines plus lumineuses, certains niveaux de contraste surréalistes, d'autres un aspect plus délavé et altéré. Côté extrême artsy, certains vont même jusqu'à déformer la couleur au point d'être méconnaissable à la scène d'origine. C'est entièrement à vous, l'artiste, de décider ce que vous aimez.

En fait, il n'y a pas de directives. Vous devez apprendre le positionnement, le recadrage, la composition. Les mouvements artistiques ont des lignes directrices qui ne sont pas si strictes sur le ton et l'approche. Pour la photographie, vous pouvez regarder et rechercher les aviateurs ou les pionniers du style que vous souhaitez pratiquer. du début à aujourd'hui. Comme exemple de Richard Avedon à Patrick Demarchelier pour la photographie de mode. Et comme un conseil d'un photographe professionnel -moi-même: D- ayez toujours du noir et blanc dans votre photo si vous n'êtes pas approché pour des produits post-contrastés.