Stieglitz et sa photo, "The Steerage" sont salués pour leur excellence, pas pour leur composition excellente (au moins un aspect de la composition est brillant, et certaines lignes du cadre peuvent être considérées comme une sorte de "proto-cubisme" ¹) ou les mérites techniques de la photo. « Le entrepont » est le plus important car il a été l' une des premières fois une photographie a été utilisé pour dire quelque chose au sujet de la société humaine avec l' intention artistique tout en présentant la scène de façon aussi réaliste que possible au lieu de : a) soit simplement la documentation qu'il en grande partie sans commentaire ou artistique intention ou b) la modifier de manière significative pour donner forme à un éventuel message ou à une intention artistique.
La manière dont Stieglitz a capturé la photo était très différente de celle des personnes reconnues par la communauté artistique comme les plus grands praticiens de la photographie en tant qu'art à l'époque. Les quelques photographes artistiques qui "avaient quelque chose à dire" en 1907 utilisaient généralement le style pictorialiste qui utilisait diverses méthodes pour modifier le réalisme de la scène en fonction de leur message. Stieglitz lui-même était pictorialiste à l'époque et n'a publié The Steerage qu'en 1911, plus de quatre ans après avoir pris la photo, alors qu'il commençait à s'éloigner du pictorialisme.
Plutôt que d’essayer d’enduire les choses et de leur donner un aspect aussi séduisant que le pictorialisme , Stieglitz a tenté (et a réussi avec The Steerage ) de montrer les choses de la manière la plus réaliste possible. Pour créer un impact émotionnel, Stieglitz voulait que le spectateur voie le contenu de la scène tel qu'il était et comprenne certains des facteurs sous-jacents qui ont conduit la scène à apparaître comme telle tout en reconnaissant certains éléments artistiques plus abstraits. de la scène et leur signification.
Steiglitz a trouvé un angle qui plaçait la passerelle vide et impeccable (inutilisée pendant tout le voyage, selon Stieglitz), ce qui conduisait à la première classe de la caméra comme une barrière apparemment impénétrable entre ceux photographiés en direction à droite et ci-dessous et ceux (non représentés) de luxe en première classe à gauche et derrière la caméra. Les lignes géométriques marquées de la passerelle, du mât, de la flèche, de la poutre de pont, de l’entrée de la cale et de l’escalier raide à gauche servent à confiner les personnes à la barre. Ainsi, bien que la photo elle-même soit une vision inchangée de la réalité, les éléments de cette réalité et la manière dont Steiglitz a réussi à les placer dans le cadre revêtent une grande signification métaphorique et symbolique d’un point de vue artistique.
En art, il existe souvent deux sortes de chefs-d'œuvre:
- Ceux qui innovent et créent un moyen de communication sans précédent. Ce sont les "premiers de leur genre" types de chefs-d'œuvre.
- Ceux qui construisent sur l'ancien et atteignent un sommet absolu d'un style particulier qui le perfectionne de telle sorte qu'après quoi il n'y a nulle part où aller plus haut.
Il est très rare qu'un même artiste, et encore moins le même travail, fasse les deux.
Le meilleur exemple qui me vienne à l’esprit est le «style à trois doigts» de Earl Scruggs qui consiste à jouer du banjo qui n’existait pas avant de le développer et qui n’a jamais été dépassé par qui que ce soit après lui.
En revanche, lorsque Michel-Ange a sculpté David, il a obtenu la plus haute expression de la sculpture de la Renaissance qui se développait depuis des siècles et remontait jusqu'aux formes grecques classiques. Comme le disait Giorgio Vasari à propos de David , il surpasse "toutes les statues anciennes et modernes, grecques ou latines, qui ont jamais existé". Après David , il ne restait plus qu'à trouver une direction différente en ce qui concerne la sculpture sur marbre. Ainsi, le développement du maniérisme , qui a favorisé la tension et l'instabilité de la composition plutôt que la proportion, l'équilibre et la beauté idéale de la Haute Renaissance.
Le Steerage de Stieglitz est le premier type. Il y introduisit une nouvelle façon d'utiliser des photographies à la fois réalistes et réalistes, mais par leur réalisme minutieux, de dire des choses de manière symbolique et métaphorique en utilisant un vocabulaire artistique. Il existe de bien meilleurs exemples, en termes de composition et de prouesse technique, de ce que Stieglitz a commencé avec The Steerage . Certaines œuvres de Weston, Adams et Lange me viennent à l’esprit. Mais il n’ya pas beaucoup d’exemples antérieurs, voire aucun.
Avant Stieglitz et The Steerage , d’autres utilisaient des photographies pour "raconter des histoires". Jacob Riis ², qui est peut-être un «grand-père» du photojournalisme moderne, ³ le faisait déjà dès les années 1880. Mathew Brady , qui a documenté la guerre civile américaine au début des années 1860, pourrait être considéré comme l'un des "arrière-grands-pères" du photojournalisme. Mais Brady et Riis n’ont aucune aspiration à ce que leurs photos soient considérées comme de "l’art".
Stieglitz, d’autre part, a commencé avec une intention artistique et a découvert qu’il pouvait encadrer une photo "documentaire" afin qu’elle montre les éléments artistiques désirés. Stieglitz ' The Steerage était révolutionnaire en ce sens qu’il s’agissait d’une forme précoce de "proto-cubisme", alors que Picasso expérimentait pour la première fois avec des médiums plus traditionnels. Pourtant, Stieglitz l’a fait sous la forme d’une photo réaliste vraiment été utilisé pour créer du grand art avant.
¹ Après avoir vu The Steerage , Pablo Picasso a lui-même déclaré: "Ce photographe travaille dans le même esprit que moi."
² Merci à l'utilisateur BobT de me rappeler Riis.
³ À tort ou à raison, Henri Cartier-Bresson est considéré par beaucoup comme le "père" du photojournalisme moderne.
