Comment ont-ils posté le processus avant Photoshop?

Donc, oui, je suis intrigué par la façon dont ils postent les images de processus avant la création de Photoshop (ou des ordinateurs, d'ailleurs). Ou le post-traitement est-il un sous-produit de la révolution informatique?

Ma compréhension de la photographie argentique (tout cela à partir de l'équivalent cinématographique d'un point-and-shoot que nous avions quand j'étais enfant) est que la lumière brûle dans le film puis le film se développe. Et bien, contrairement aux bits, votre produit final est tangible et "permanent", faute de meilleur terme.

Je suis terriblement ignorant du traitement des films mais je suppose que c'est là que le post-traitement a lieu? Comment ajustent-ils les températures de couleur? Supprimer les yeux rouges? Retoucher les imperfections de la peau? Utilisent-ils des colorants / encres spéciaux pour obtenir de meilleurs couleurs / contrastes?

En fait, vous pouviez faire beaucoup de choses.

Commençons par les bases - exposition globale et contraste. C'est quelque chose que quiconque aurait eu une chambre noire aurait naturellement fait. Les papiers photo ont différents degrés de contraste et certains papiers noir et blanc ont un contraste variable, réagissant différemment selon la couleur de la lumière que vous avez utilisée dans votre agrandisseur. Vous pouvez faire beaucoup pour changer l'exposition globale et le contraste simplement en changeant la durée d'exposition du papier et la qualité de contraste du papier. Changer la température de couleur dans les impressions couleur était une question de changer le pack de filtres (ou les réglages sur une source de lumière dichroïque). Les petits magasins iraient d'un œil attentif; les grands laboratoires utiliseraient un colorimètre.

Photoshop (et des programmes similaires) ont des outils appelés "esquiver" et "graver", et ceux-ci viennent directement de la chambre noire. Vous utiliseriez un bouclier pour «esquiver» la lumière de frapper le papier, ou une carte plus grande (souvent avec un trou dedans) pour laisser la lumière supplémentaire «brûler» le papier. Cela vous permettrait de faire des changements locaux de contraste et de luminosité.

Le "masquage", y compris le "masquage flou", provient également de la chambre noire. Le masquage du contraste serait effectué en prenant en sandwich votre négatif avec un morceau de film non exposé (généralement quelque chose avec une très faible sensibilité) et en exposant le film à travers votre négatif. Cela faisait une image positive faible, que vous développiez ensuite avec un faible contraste. Assemblez à nouveau les deux et vos zones d'ombre ont une densité supplémentaire, ce qui réduit le contraste global. Mettez un morceau de film transparent entre les deux lors de l'exposition du masque, et vous obtenez un masque flou, qui pourrait être utilisé pour améliorer les bords de l'image (de la même manière que l'effet Photoshop fonctionne). Vous pouvez également peindre directement sur le masque ou blanchir les zones exposées afin de supprimer les zones de l'image.

La retouche impliquait l'utilisation de crayons ou de colorants sur le négatif et sur l'impression. Étant donné que vous ne pouvez que contrôler la densité (vous pouvez mettre plus de noir ou de couleur un peu à la fois, mais le blanchiment est plus ou moins une technique tout ou rien), vous éclairciriez les zones en retouchant le négatif et les assombrir en retouchant l'impression. La correction des yeux rouges était généralement effectuée sur une impression à l'aide d'un stylo à colorant cyan et d'une technique de pointage minutieuse. C'était tout un travail manuel, et c'était une option assez coûteuse pour que la plupart des gens ne l'aient pas dérangé pour leurs instantanés.

Ensuite, il y avait des changements en gros que vous apportiez à l'aérographe et au collage. Cela était normalement fait à une très grande taille, puis rephotographié pour minimiser l'apparence du travail manuel.

Ajoutez des images en noir et blanc teintées à la main, en utilisant un film ortho / litho pour transformer une image en tons continus en dessin au trait ou en bas-relief et ainsi de suite, et l'arsenal d'outils et de techniques devient assez grand. C'était loin d'être aussi simple que Photoshop, et il n'y avait pas tant de "défaire" que de "recommencer à zéro", mais nous n'étions pas du tout coincés avec ce que vous pouviez obtenir chez le pharmacien.

Cela dépend de ce dont vous parlez, il existe en fait deux types différents de production photo - pour la publication et l'impression fine art. À l'époque, de plus en plus de personnes utilisaient le «flux de travail» des tirages d'art et le travail de publication était principalement réservé aux personnes qui travaillaient dans les journaux, les magazines ou faisaient des tirages de reproduction. Aujourd'hui, pratiquement tout le monde travaille dans le flux de production et moins de personnes dans le flux de travail d'impression artistique. Remarque, j'ai une formation technique dans les journaux, donc une partie de ce que je vais dire est colorée par cela.

Impression Fine Art: C'est également la base de tous les autres flux de travail (sauf peut-être là où les gens reproduisaient des diapositives, je suis un peu flou sur la reproduction des premières couleurs - je n'ai jamais travaillé dans un journal qui faisait beaucoup de photos en couleur auparavant des ordinateurs). Il s'agit de votre photographie de base en chambre noire, où vous avez projeté le film sur une feuille de papier sensible à la lumière, puis l'avez passé à travers quelques bains chimiques / aqueux.

Pour le travail en noir et blanc, vous avez stocké des papiers avec différentes courbes de contraste ou utilisé du papier à contraste variable qui a changé le contraste en fonction de la couleur de la lumière utilisée pour l'exposer (vous avez donc dû stocker ces filtres). La bonne chose à propos du papier VC est que vous pouvez avoir différentes courbes de contraste dans différentes parties de l'image en masquant l'image (physiquement, avec du carton ou quelque chose!) Et en exposant différentes parties de l'image avec différents filtres. Les esquives et les brûlures étaient littérales, utilisant plus de carton ou de petits outils pour retenir la lumière d'une partie de l'image ou donner plus de lumière. Toutes les autres retouches se feraient avec un pinceau ou un aérographe - bien que certaines personnes travaillent en fait sur le négatif lui-même.

Pour le travail des couleurs (et encore une fois, je n'ai pas beaucoup d'expérience ici), la température de couleur serait corrigée par des filtres colorés. Il vous en faudrait plusieurs et c'était très fastidieux de bien faire les choses.

Publication: Deux façons d'aller ici. Pour le travail en noir et blanc, vous pouvez couvrir une feuille de papier à contraste élevé avec un écran avec de petits points gaussiens. Cela transformerait l'illustration en une série de points - des points plus grands pour les zones sombres et des points plus petits pour les zones plus claires. Ces images seraient transformées en une représentation papier de la page, puis prises sur un très grand appareil photo qui produirait un morceau de film de la taille de la page. Le négatif serait ensuite brûlé sur une plaque d'impression. Nous parlons de la technologie des années 50-60 ou plus.

Pour le travail couleur, vous commenceriez toujours avec une image fixe (si la mémoire est bonne) mais vous la photographieriez plusieurs fois en utilisant différents filtres sur l'appareil photo pour obtenir des "séparations" cyan, magenta, jaune et noir.

J'espère que cette explication n'est pas trop éloignée ou confuse, mais le processus a été beaucoup plus difficile, impliquant des produits chimiques malodorants, des pièces sombres et était difficile à inverser. Et je me sens très vieux en sachant tout cela :-)

Pour un examen plus approfondi de cela (surtout d'un point de vue noir et blanc), je recommande le livre d'Ansel Adams "The Print".

Beaucoup d'idées de base ont déjà été couvertes, mais il y avait toute une gamme de différentes astuces que vous pouviez utiliser. Par exemple, vous pouvez affiner vos impressions en les développant dans un développeur complètement stationnaire, au lieu du processus habituel qui impliquait une agitation constante du papier dans le développeur. Le problème était que de grandes zones sombres pouvaient finir par être sous-développées, mais c'était une technique utile pour faire des reproductions photographiques de documents imprimés. Une version extrême de cette technique, où vous tremperiez brièvement votre papier exposé dans la solution de développement, l'enlèveriez et en presseriez le développeur excessif avec un rouleau, et développerait l'impression dans une couche de solution extrêmement mince, créerait un effet similaire à un algorithme de détection de bord.