Existe-t-il une règle d'or pour les transitions dans la production vidéo?

Je suis ingénieur logiciel, mais en tant que membre junior de l'équipe, j'ai été chargé de faire une démonstration en boucle de notre produit qui sera joué en continu lors d'une convention à venir. La vidéo n'est pas seulement une publicité pour notre logiciel, mais aussi pour certaines des plates-formes matérielles sur lesquelles il fonctionne, je dois donc présenter un certain nombre de produits et de logos.

Après un mois de travail sur ce que j'ai parées et ciselées jusqu'à un 4 minutes serré, mais certaines transitions entre les clips et des images fixes me sens hors de moi. J'ai essayé une taille unique mais pas vraiment avec "Cross Dissolve". J'ai également essayé un éventail de diapositives, d'essuyages et de dissolutions, mais cela ressemble à la présentation PowerPoint de quelqu'un de la fin des années 90 (moins les effets sonores d'origine). Cette communauté a-t-elle des directives à suivre lors de la création de transitions dans ses propres projets?

Il y a quelque temps, j'ai organisé quelques ateliers d'introduction au montage vidéo. J'avais l'habitude de parler aux participants d'un effet particulièrement cool que j'avais trouvé dans Pinnacle; c'était une pinhata qui est venue se balancer dans la première vidéo avec un bâton qui a frappé la deuxième vidéo et elle s'est déroulée sur l'écran.

Le point de cette anecdote est le suivant: N'utilisez pas de préréglages de transition . Du tout. Bien sûr, il a l'air cool dans la bobine d'aperçu, mais tous ces balayages, lingettes, diapositives fantaisie, etc. sont juste distrayants et laids. Bien sûr, cela dépend du type de vidéo que vous réalisez, mais j'essaierais toujours si cela fonctionne sans transitions du tout (c.-à-d. Des raccourcis). Si ce n'est pas le cas, essayez peut-être une simple dissolution croisée courte (comme 0,5 seconde maximum) ou peut-être un plongeon au noir. Mais gardez vos mains sur tous les autres préréglages de transition.

Mes règles d'or sont les suivantes:

1. N'utilisez pas de transitions.
2. Si vous devez utiliser des transitions, utilisez-en le moins possible et soyez cohérent .

Le deuxième point est particulièrement important, même si vous êtes fan de transitions. Soyez cohérent avec (a) le type de transition que vous utilisez et (b) quand vous les utilisez. Par exemple, si vous utilisez une transition pour séparer visuellement deux scènes pour la première moitié de votre film, puis que vous commencez soudainement à utiliser une transition pour chaque coupe d'une scène, c'est déroutant et distrayant. Et si vous abandonnez différentes transitions à chaque fois, cela ressemble à un AMV Youtube merdique fabriqué par un enfant de 12 ans.

Par exemple, regardez Star Wars (les préquelles). Ils utilisent ces balayages et diapositives avec des bordures douces partout. Je n'aime pas vraiment ça, mais au moins ils sont cohérents avec ça.

mais certaines transitions entre les clips et les images fixes me semblent tout simplement

Cela peut être subjectif, mais d'après mon expérience, une transition semble bizarre dès que vous la remarquez. La meilleure transition possible est celle que vous ne remarquez pas, car une transition est un outil pour mieux raconter votre histoire, pas un élément d'histoire lui-même. Et le moyen le plus simple d'avoir une transition que vous ne remarquez pas est de ne pas en utiliser du tout.

La transition la moins visible est une coupure. Toute transition, même une dissolution, prend du temps et attire l'attention sur elle-même dans une certaine mesure. Cela signifie qu'une transition (et ici j'utilise transition pour signifier autre chose qu'une coupe dure) devient une partie de l'histoire que vous racontez.

Par exemple, une dissolution semble à première vue être un moyen de fusionner deux plans, mais elle a en fait pour effet de les séparer, ce qui implique que le deuxième plan se produit plus tard ou à un endroit différent; c'est un peu comme la boîte dans le coin d'une bande dessinée qui dit "en attendant ..." ou "plus tard ...". D'autres transitions attirent encore plus l'attention sur elles-mêmes et font partie du look et du contenu du film. Ne les utilisez pas simplement parce qu'ils ont l'air cool, ils doivent être motivés par l'histoire que vous essayez de raconter s'ils ne semblent pas avoir été collés à chaud.

Le problème est que les coupures peuvent également être perceptibles. Toute coupure d'un plan à un plan similaire, par exemple deux plans cadrés de façon similaire d'un sujet d'interview, sautera - c'est ce qu'on appelle un saut de coupe. Contre intuitivement la façon de rendre une coupe moins apparente est de rendre les deux plans qu'elle sépare différents l'un de l'autre. Donc, si vous voulez couper deux photos du même sujet ensemble, vous passez d'un plan rapproché à un plan large ou vice versa. Une autre façon de motiver une coupe est le mouvement. Le mouvement correspondant dans le cadre vendra souvent une coupe qui ne fonctionnerait pas avec du contenu statique. Les entrées et les sorties du cadre motiveront également une coupe.

Il y a eu beaucoup d'études à ce sujet; essentiellement ce que je décris est le métier de l'édition - par opposition à savoir comment utiliser un logiciel d'édition que beaucoup de gens confondent avec la même chose. On Film Editing d' Edward Dmytric est une bonne lecture, tout comme les livres de Walter Murch en particulier In the Blink of An Eye

Utilisez des coupes pour la plupart des transitions. Quelques exceptions ...

Utilisez des transitions qui donnent un sens:

• Un balayage dans le sens horaire indique le passage du temps.
• Flou rêveur (avec musique de harpe) pour une séquence de rêverie.
• Dissolution croisée pour des moments doux / sujets sensibles.

Une exception absolue: lorsque vous faites une vidéo pour enfants (faite pour les enfants), ajoutez beaucoup de transitions stupides. Le plus désagréable le mieux. Transition de dinosaure, utilisez-la. Transition avec les requins, utilisez-la. Transition volcanique, utilisez-la. Ils vont l'adorer.

Je vais essayer de classer certaines transitions différentes et de les commenter. Bien sûr, ce n'est pas gravé dans la pierre.

Couper

Oui, une coupure est une transition. Cela semble simple, mais il a de nombreuses saveurs . La plus simple est la coupe directe, où vous mettez simplement un clip après l'autre.

L'une de ces saveurs est le J-Cut, où vous ne modifiez pas le clip en même temps que l'audio. Par exemple, un dialogue entre deux personnes, en tant que spectateur, vous pouvez tourner la tête vers l'autre interlocuteur après avoir entendu qu'il est en train de parler, de sorte que l'audio change avant les visuels.

C'est la coupe qui donne plus de continuité à une séquence, à tel point que vous pouvez en fait l'utiliser pour la perturber, par exemple, vous passez d'une scène de bataille à un paradis calme, cela peut surprendre le public essayant de comprendre ce qui s'est passé parce que ils ont été télétransportés sans avertissement. Ceci est une coupe fracassante.

Mais une coupe peut être en arrière et en avant entre les coups, comme dans une boîte de dialogue, c'est une coupe croisée, ou cela peut être pour accélérer un seul coup, comme une coupe sautée.

Comme vous pouvez le voir, il existe de nombreuses variantes.

La vitesse et le rythme peuvent être différents aspects d'une coupe. mais vous devez laisser du temps pour que les images soient comprises, plus l'image est simple, plus vous pouvez basculer rapidement, plus elle contient d'éléments, plus elle a besoin de temps à l'écran. Certains clips musicaux ont tellement de rythme frénétique qui sont inaccessibles.

Dissolution croisée

Cela implique normalement une situation calme, cela peut ajouter un élément "élégant".

Ils peuvent être utilisés entre des clips ou entre deux séquences plus grandes. Il peut les relier ou les éloigner selon le contexte, mais normalement il les relie malgré un élément intrinsèque de la distance, par exemple, une personne qui pense à une autre à travers le monde.

Mais cela peut aussi montrer le temps qui passe.

La durée de la transition elle-même est un autre élément narratif.

Fondu vers - fondu depuis

Noir ou blanc.

Un fondu au noir est l'une des transitions qui éloignent le plus deux senes, il donne une sensation de fermeture, par exemple lorsque quelques années se sont écoulées et que la situation antérieure veut être oubliée.

Un fondu au blanc peut avoir un effet similaire, mais donne un petit soulagement, implique une certaine sensation d'espoir. Cela peut impliquer un élément "métaphysique", en passant par de nouveaux commencements.

Il peut être utilisé entre deux scènes ou comme élément final d'une vidéo.

Il a également quelques variations selon le "mode de fusion" appliqué. Si une transition a un mode de fusion qui augmente la luminosité de la vidéo, elle peut être utilisée comme introduction à un flashback ou quelque chose comme ça. Mais cette variation pourrait sembler «bon marché» comme une émission de télévision à petit budget.

Ces trois sont de loin les plus utilisés.

Recouvrir

Un élément apparaissant au-dessus des deux clips comme élément de transition intermédiaire. Un exemple est une "brûlure de film", où cet élément étranger apparaît et disparaît pendant la transition. Normalement, cela implique un mode de fusion différent de celui d'une simple dissolution.

Une gravure de film peut être utilisée bien sûr pour donner une sensation nostalgique, mais vous pouvez être créatif.

Seamles

Normalement, cela combiné avec un mouvement de caméra, par exemple, une caméra se déplace de gauche à droite et un arbre est très proche de la caméra, et maintenant une autre scène se révèle derrière un poteau lumineux avec le même mouvement de caméra. (C'est une façon créative d'utiliser une lingette)

Vous pouvez vous approcher d'un objet noir et démarrer la scène suivante en vous éloignant d'un autre objet noir.

Essuyer

Il fait apparaître un élément d'un côté en remplaçant l'image en dessous. S'il est utilisé entre les clips, il peut donner un style "bande dessinée". Cela peut impliquer que les deux scènes se produisent à des endroits différents en même temps, par exemple, un appel téléphonique.

Mais il peut également être utilisé pour ajouter un élément sur la scène existante, par exemple, du texte sur une vidéo ou une version améliorée d'une vidéo sur l'original.

Le bord peut être tranchant ou avoir un mélange progressif.

Brouiller

Changer le focus ou ajouter une sorte de flou gaussien.

Une utilisation évidente est une personne qui perd conscience, mais peut être un moyen bon marché ... ou économique de basculer entre les scènes. Il a été utilisé lorsque la découpe directe était le seul outil disponible, désactivant et réactivant un enregistrement. Je doute qu'il soit beaucoup utilisé ces jours-ci.

Ils doivent être combinés avec d'autres ressources

Par exemple avec les mouvements de la caméra, les conditions d'éclairage et surtout ... l'histoire.

Mais vous pouvez également utiliser tout ce que vous avez!

Oui, vous pouvez lancer une transition "fantaisie" sur une vidéo pour enfants, avec des ballons, des étoiles et des pages tournantes. Gardez juste à l'esprit que cela peut avoir un style très éphémère. Mais c'est probablement ce dont vous avez besoin, donner à une vidéo un look des années 90 pourrait être ce dont vous avez besoin.

Compositing

Gardez à l'esprit que "Montage vidéo" et "Compositing vidéo" sont deux métiers différents mais liés. Certains éléments graphiques animés ou effets visuels peuvent être considérés comme des transitions .

Une vidéo déchirée par des morceaux, des barres de couleur flottant autour, des formes géométriques, des particules apparaissant, des masques, des superpositions, des mouvements 3D, des pépins ... N'oubliez pas d'avoir les éléments avec un contexte en tête. Faire un clip pour un groupe de musique techno est différent d'un documentaire.