De quels concepts de design et d'art les étudiants / professionnels en art discutaient-ils dans les années 70?

Je me demande: si vous étiez [conditionnel, je ne demande pas aux gens qui étaient réellement là] un art (ou une impression, ou une publicité, je ne sais pas quel aurait été le titre à l'époque) étudiant ou professionnel en dans les années 70, de quoi parleriez-vous avec vos camarades de classe / collègues?

Je ne veux pas dire ce que vous étudieriez en classe, mais que considériez-vous à l'époque comme des sujets révolutionnaires (et peut-être un peu subversifs)? Quelles étaient les tendances, les nouvelles idées dont les gens parlaient?

Pourrait être des étudiants d'Amérique ou d'Europe. Je pense en fait aux universités latino-américaines, mais je me rends compte que cela pourrait être trop spécifique. Et ils ont dû parler des mêmes choses, je suppose.

Je sais, par exemple, que les étudiants en sciences sociales discutaient beaucoup de Levi-Strauss. Ce qui était interdit dans certains pays d'Amérique latine, car il était considéré comme «dangereux». J'imagine que peut-être les étudiants en art parlaient de ... postmodernisme? Féminisme? Je ne sais pas vraiment et j'apprécierais votre aide.

Je ne suis pas un expert et je n'étais pas étudiant dans les années 70, mais je me souviens de certains bouleversements politiques, courants et événements sociaux et culturels.

Le design est informé, se développe en tandem avec, ou en réaction contre, la politique et les événements de la société en général.

Oui, il y avait certainement beaucoup d'esthétique hippie des années soixante dans les années soixante-dix; il était alors devenu plus accepté et plus courant. Les éléments psychédéliques moins "dangereux" et subversifs, la "paix et l'amour" de la désobéissance civile et de la protestation non-violente, avec leur esthétique organique fleur multicolore "devraient disparaître": inévitable le balancier politique oscille.

Années soixante. Hippy-dippy:

Il y avait des expérimentations avec les techniques d'impression dans les années 60, et vous trouverez la folie de verser plusieurs couleurs dans la même couleur dans des presses offset. Le résultat final est que le tout devient brunâtre, mais vous pouvez imprimer beaucoup avant le mélange des couleurs, et vous obtiendrez un tas d'affiches légèrement différentes. C'est-à-dire qu'il n'y aurait pas de trame. Je ne trouve aucun exemple, mais imaginez que vous mettez plusieurs couleurs dans ceci:

Bien que réalisé en 1967, le design de l'album Milton Glasers Bob Dylan montre un langage visuel serré. Mon point est que les cheveux "hippy-like" ne sont pas dans des couleurs hippies sauvages. Ils sont muets. La police et la silhouette parlent d'un contraste minimaliste.

Il existe une grande différence entre ce que vous pourriez appeler le design d'entreprise et les courants sous-jacents ancrés dans une sorte de langage visuel ascendant. Si vous recherchez "1970 design", vous obtiendrez beaucoup - ce qui a été vu par beaucoup comme - des effets visuels haut de gamme, des designs pour les entreprises et une nouvelle et merveilleuse technologie. Il y a encore beaucoup de couleurs, mais pas beaucoup de fleurs organiques. Il évolue vers des éléments graphiques plus simples. Comparez la conception commerciale avec des couvertures de LP, des affiches de concerts, des événements culturels "locaux", etc., il y a un grand écart.

Soixante-dix. Achèteriez-vous cela?

Et bien sûr, il y a l'art controversé d'Andy Warhol, qui a commercialisé "sans vergogne" l'art. Je suppose que vous pourriez l'appeler le maître du design plat: D.

Ici, Liza Minelli:

Les troubles sociaux et le conflit de 1968 ont été une réaction violente à ce qui était considéré comme des élites militaires, capitalistes et bureaucratiques. De nombreux gouvernements ont répondu par une escalade de la répression politique et de la violence physique. La protestation pacifique n'a pas abouti. Homme dans la rue, anti-établissement. Guerre froide, guerre réelle, révolutions, chute de l'empire britannique, Mao est mort. Le monde était grand, froid, dangereux et déroutant. Robots, science-fiction, exploration spatiale, guerres des étoiles, dystopies, manipulation génétique; le monde devenait étranger. L'espoir que le monde pourrait être meilleur qu'il ne l'était, vacilla.

Entrez punk

N'importe qui pouvait créer n'importe quoi. N'importe qui pouvait créer de la musique. La technologie permettait alors à plus de gens de se familiariser avec l'art, la musique et le design. L'exemple classique en est bien sûr les Sex Pistols. C'était désordonné, c'était du bricolage, c'était bruyant (dans tous les sens du terme). Ils ont pris des symboles vénérés et les ont disséqués: la reine, le drapeau, la religion, les politiciens. La grille était vraiment par la fenêtre, les règles et la cohérence étaient pour les poules mouillées. Si vous étiez sourd, ce serait un plus en tant que chanteur. Le Clash a été critiqué comme étant trop "mélodique", pas "punk" authentique. Classe supérieure.

Et voici une pièce sur le portrait d'Andy Warhols de Marilyn Monroe:

Le mouvement féministe des années 70 a pris des éléments du punk; c'était le langage visuel de la protestation. Il était axé sur le corps féminin, le droit à la liberté sexuelle, à l'égalité de rémunération et à la solidarité avec les femmes du monde entier.

Solidarité avec les femmes vietnamiennes pendant la guerre du Vietnam:

Étant étudiant dans les années 1970, je pense qu'il y aurait un écart assez important et une guerre des tranchées entre le punk et le «bon goût». La déconstruction post-moderniste (terme que je méprise) et analytique se heurte à l'esthétique "de la rue". D'autres éléments seraient l'esthétique «machine», l'art graphique et la musique de David Bowie et Pink Floyd en seraient des exemples. Je suppose que vous pourriez appeler cela le surréalisme machine (par opposition au surréalisme organique hippie), la machine humaine et la réinvention de notre identité à ce que nous sommes et ce que nous créons (c'est-à-dire la technologie).

Il convient de noter que le mouvement punk était bien sûr opposé au mercantilisme. Au fur et à mesure que ceux qui font partie du punk vieillissent et que nous pouvons leur vendre des choses, "leur" langage est repris par un commercialisme plus courant, quoique dans une version plus douce. C'est le cas dans de nombreux cas.

Je ne sais pas si j'ai répondu à votre question, mais c'était une tentative de la replacer dans un contexte historique.

(Les prochaines années seraient les années 80 et le boom économique fou. Mais assez maintenant.)

Bien entendu, les questions débattues étaient très subjectives et différeront considérablement des pays ayant des antécédents politiques aussi différents que dans les années 70.

Permettez-moi de partager mon souvenir des concepts de conception graphique que je trouvais cool en Allemagne à l'époque, quand j'étais adolescent. Je suis conscient que cela est inévitablement une vision plutôt inclinée, étroite et personnelle.

La plupart des conceptions ont été fortement influencées par les conséquences du mouvement hippie Flower Power des années 60. Mais leurs concepts sont devenus plus consolidés et commercialisés. Les drogues et leur influence sur l'état mental ont abouti à une " psychédélie " qui a été transférée presque partout comme les films, les publicités et la musique.

Autocollant psychédélique 7 poses

Cela se reflétait également dans les illustrations graphiques des pochettes de disques vinyles qui avaient souvent le thème d'un monde surréaliste fantasmatique:

Couverture de Yessongs par Roger Dean

Le surréalisme y a eu beaucoup d'influence, principalement les œuvres de Salvador Dali ou d' Yves Tanguy .

Dans l'ensemble, les structures organiques arrondies et les ornements floraux ont remplacé le style minimaliste du Bauhaus , au moins dans les domaines qui se disent jeunes et branchés. Des polices comme Banana Split pouvaient être trouvées partout.

La papeterie était souvent fortement ornée, y compris le papier à lettres et les enveloppes.

Les grands designers des années 70 tels que Lugi Colani ont adapté ces qualités organiques à presque tout:

Conception de camion par Colani

Le minimalisme du Bauhaus, des lignes géométriques non organiques claires étaient toujours présentes dans les années 70. Ils ont survécu jusqu'à aujourd'hui, mais à ce moment-là, ils étaient considérés comme «carrés» .